Carne Cruda

El teatro en un instante

2010-08-10T09:39:00.000-07:00

Exposición fotográfica de Elio Frugone.
Algunas de las obras son: Neva; Capote; El diario de un loco; Yo, Feuerbach; HP (Hans Pozo); Pérez; El gran regreso; Las analfabetas; La casa de los espíritus.

Sala: Mori Bellavista
Desde el 11 de agosto, hasta fines de septiembre
Lun-Mar-Mié desde las 10:00 hrs., hasta las 19:00 hrs.
Jue-Vie-Sáb-Dom desde las 12:00 hrs., hasta las 22:00 hrs.
Entrada liberada

Buchettino

2010-07-05T10:42:00.000-07:00

Que se mueran los feos

El cuento es espeluznante. El hecho teatral es maravilloso, pues recrea la narración aún más espeluznantemente en la sordidez de nuestras mentes y el extraescena. Es una intriga constante que logra el efecto del texto, superándolo.

Aparecen los mayores miedos de la infancia: el abandono de los padres y la presencia nefasta del hombre enorme que abusa y mata a todos los niños. Lo terrible, es que pareciera que ese hombre enorme entrará en cualquier momento. El ogro es una construcción realmente verosímil, pues lo que comunica, lo que dice, cómo se comporta, arman un personaje de una consistencia y una coherencia ineludibles.

María Izquierdo es capaz de transportar al público a esta ficción, y a la vez formar parte de la ficción misma. Se desdobla entre exquisita narradora y parte monstruosa de los sucesos que narra.

Es curioso el hecho de que mueran ciertas niñas muy feas, deformes y de dientes filudos, y que pase casi desapercibido.

El aplauso, tanto de grandes y chicos, fue contrariado. Es una experiencia incómodamente inolvidable. ¡¡¡BRAVO!!!

Ficha de la obra:
Compañía: Societas Raffaello Sanzio
Co-produce: FITAM Chile
Autor: Charles Perrault (siglo XVII)
Dirección: Chiara Guidi
Diseño escenográfico: Romeo Castellucci
Asistencia de dirección: Aline Kuppenheim
Narradora: María Izquierdo
Rumoristas: Tomás Arias, Elizabeth Rodríguez, Étienne Bobenrieth
Sonido: Benjamín Ortíz

Desde el 10 hasta el 24 de Julio
Sala: Centro cultural de La Granja Espacio Matta
Lun-Mar-Mié-Jue-Vie-Sáb a las 16 hrs. y a las 18 hrs.
$5.000 adultos, $3.500 niños

María bonita

2010-07-02T13:30:00.000-07:00

La de Mijares, no la del Cangaço

Hay una propuesta musical bastante sugestiva, intrigante y atrevida, que construye una atmósfera interesante y particular. La iluminación ameniza con cambios sutiles y atinados, sin soberbia, sino que más bien, sirve como un comunicador austero de la escena, que atiende las situaciones y ayuda a visualizarlas de mejor forma.

La puesta en escena es horizontal: pasto o alfombra verde, plástico de efecto tornasol y la estatua de la virgen en una vitrina. La virgen en una vitrina, aquí comienza el sexismo.

La mujer es vista desde una mirada retrógradamente masculina: ella dice…

“Yo no soy una puta”, pero se la follan, después le pegan, y por último, ella engaña a su mino públicamente, sólo con el fin de que él la vea, él interprete, puesto que ella no es un ser pensante. Ella se construye a partir de su relación con el hombre. A ella le cuesta mucho ser mamá soltera. No puede hacer nada, ella sólo es su cuerpo. Ella es la figura virginal del primer amor. El primer amor, aquí comienza el discurso de filosofía escolar básica.

“Yo la vi y me enamoré”

“Sufrir no es sano”

“La realidad no se disfraza, se maquilla”

“Una no-respuesta es una respuesta”

“El tiempo no se puede medir porque es personal”

Hay un intercambio de personajes para recalcar la propuesta dramatúrgica: los cráneos, onda, la muerte es cenizas y cráneos, ¿cachai? Terrible de freak, ¿cachai? Onda, las minas son putas-vírgenes, ¿me cachai o no? Enamorarse es ver a alguien y después querer seguir viéndola, y no soportar la idea de que esté con otro, ¿no te pasa a ti? Y para que entiendan de estas cosas todos los niños del público, un cráneo soporta 230 kilos. Tenemos un gato invisible muy importante en nuestras vidas, y volviendo al tema, cachai, te voy a narrar la historia de la Carmela…

Obviamente, a los personajes femeninos les da mucho miedo ser la Carmela, es decir, lo que en realidad las atemoriza es el hombre: eso sólo lo puede pensar un pre-moderno.

Yo iría a escuchar la música, nada más. En el público hubo harto escolar ofendido y aplausos flojos.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro nómade
Dirección: Felipe Vergara
Dramaturgia: Felipe Vergara
Elenco: Antonella Ríos, Diego Ruiz, Orlando Alfaro, Paulina Catrileo
Dirección espacial: Matías Paul
Dramaturgia 2: Pedro Vodanovic
Diseño integral: Bernardita Baeza
Música original: Orlando Alfaro
Iluminación: Yury Canales
Vestuario: Johanna Mora
Fotografía: Rodrigo Martínez
Diseño Grafico: Valentina Iriarte, Agencia punto d
Producción general: Patricio Arriagada

Sala: Teatro del puente
Desde el 10 de junio
Mié-Jue a las 20:30 hrs. Vie-Sáb a las 22:00 hrs.
$5.000 general, $3.000 estudiantes, $2.000 miércoles populares

Tras una puerta cerrada

2010-06-30T00:24:00.000-07:00

La carcajada pérfida de Egon Wolff

Un director se achuncha frente a un texto patético. Intenta limpiar la escena para darle realce a unos diálogos asquerosos. El resultado: cabeceos constantes en el público.

La escenografía es horrenda. El fondo es un puñado de telones mal hechos y mal puestos. Al centro, unos tablones de 1x1m en desnivel que intentan dar movilidad e indeterminación espacial, pero los personajes no hacen más que “step” en unos escalones insulsos. La iluminación cenital descubre las pifias en el escenario. La iluminación “intensa”: o sea, esos focos rojos que revelan el copete y los remedios del viejo, dan cuenta de la flojera con que se puede leer un texto.

Los personajes son unas maquetas aburridísimas de un viejo con plata y un cabro pobre pero empeñoso, que no se sabe muy bien qué hacen, si son gays, o solamente si son unos huevones tontos que se juntan a dar jugo. El viejo le pasa plata a cambio de nada. ¡Uf, interesantísimo! La obra se escucha más o menos así:

“Toma: un cheque de $300.000 pesos. ¿Qué vas a hacer con ellos?”

“Comprarle un reloj a mi polola.”

“¡No, no pues, muchacho! Así no la vas a enamorar. Tienes que comprarle un auto.”

“Oiga, ¿por qué me está dando esta plata?”

“Apuesto a que tu novia, ésa la de piernas largas y pequeños pechos juguetones, te habrá dicho: no aceptes nada de ese viejo solitario, debe de ser gay.”

“Oiga, déjese. Me voy y no volveré.”

“Sí volverás.”

“Oiga, gracias por el cheque de $100.000 millones de pesos.” (Ahora el personaje viste de terno).

“Sí, disfruta. Eres igual que yo.” (El viejo se cae).

Egon Wolff sigue enojado con el teatro. Ahora llora de la risa gracias a todos los jetones que creyeron en este patético show.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro quinta esencia
Dirección: Felipe Arellano
Dramaturgia: Egon Wolf
Elenco: Hernán Vallejo, Ricardo Zabala
Diseño integral: Paula Castillo
Asistencia de dirección: Paula Castillo
Realización escenográfica: Teatro quinta esencia, Pablo Arellano
Música original: Cristóbal Ibar
Tema principal: Oscar Barra, Beto Mella
Diseño afiche: Elisa Vial

Sala: Teatro del puente
Hasta el 25 de julio
Vie-Sáb a las 20:00 hrs. Dom a las 19:30 hrs.
$4.000 general, $3.000 estudiantes y 3era edad, $2.000 viernes populares

Entrevista a Flavia Radrigán

2010-06-21T19:17:00.000-07:00

1) ¿Qué opina del teatro actual chileno?

El teatro se ha puesto joven. Es un periodo de efervescencia, cuando el escribir y el hacer promueven una energía importante, aunque la mayoría de las veces no haya recursos.

La dramaturgia vive un destape verbal, así como el destape español, donde se tratan los temas de origen, tales como el incesto y el odio entre padres e hijos. Ya no se habla de la dictadura, sino que hay un desborde de temas que aparecen por todas partes. En un momento, se va a tener que explicar porqué se escribe de esto, entonces estarán de pie los nuevos dramaturgos.

En escena, los temas son tratados condensadamente, de forma concentrada en un comedor: son obras que ocurren en la cocina, en el living, en un centro para conversar con la necesidad de inquietar a los personajes. El teatro ya no es activo como el de un Griffero, sino que se sentó a hablar en una escenografía reconocible, donde los objetos son concretos y representan lo que son. Aún así, la dirección se ha rejuvenecido con nuevas propuestas, las que son muy valientes, sin miedo a la equivocación; ya no está la cuestión intelectual, cuyo referente es Víctor Carrasco, entre otros.

Pienso que el teatro actual es eso. Actualidad, y no la base de un recuerdo.

2) ¿Hubo una época dorada del teatro en Chile?

Sí. La época de los teatros universitarios tuvo un florecimiento enorme de obras, compañías perdurables y giras. Fue un movimiento que jamás volvió a ocurrir. Fue una época de gran ímpetu, cuando las compañías competían entre ellas, no había miedo económico, todo estaba hecho a mano, eran trabajos preciosos, inspirados en obras de diversas artes, como en la pintura por ejemplo, en los trabajos del Pato Madera, o los murales de la Brigada Ramona Parra. Todo estaba justificado: las ideas, el pensamiento, la política.

Hoy no se está construyendo una generación porque hay mucha envidia. Nadie felicita. La gente no se junta, hay clanes solamente. Antes se podía tocar la puerta y ser aceptado en un grupo consolidado, ya no.

3) ¿Cuáles son los referentes para el teatro hoy en día?

No lo tengo muy claro porque los nuevos dramaturgos y compañías están queriendo ser cada vez más libres de ataduras estéticas, van en la búsqueda de sus propias propuestas. Eso me parece fantástico ya que el buen intencionado “homenaje” es sólo el caparazón del plagio.

4) ¿En qué ponen esfuerzos vanos?

En tratar de remontar mil veces obras extranjeras, las que están bien probadas. No se están arriesgando con llevar a escena textos de autores nuevos. Sería lindo que Alfredo Castro y Rodrigo Pérez tomaran obras nuevas, para que así ocurriera realmente la Retribución en beneficio de la comunidad que promueve el Fondart. También debería haber leyes culturales que favorecieran la creación.

5) ¿Qué es el teatro para usted? ¿Qué opina de esta frase: “el teatro es un lugar para decir lo indecible, desnudar la realidad”?

En lo personal el teatro es la posibilidad de ser y hacer. Qué más se puede pedir que una isla de libertad en esta manoseada sociedad.

Y la frase…me parece muy apropiada para una definición teórica del teatro. Una frase de incentivo para el que desee entrar a este mundo de domados esquizofrénicos.

6) ¿Quiénes son los personajes de su dramaturgia?

Parientes, fantasmas, desequilibrados…yo.

7) El arte de las acotaciones: ¿cuál es su importancia en su dramaturgia?

Las acotaciones son esenciales para descubrir el mundo interno del autor y deben ser respetadas. Mínimo para establecer el lugar donde ocurren los hechos, pero ese lugar también debe ser visto por el director y el escenógrafo y después de esa visión recién cobra vida la acotación. En mi dramaturgia generalmente sólo ubico a los personajes, no pongo más, porque me fascina ver las propuestas de actuación, me sorprendo y me agrada, creo que el trabajo es comunitario y las acotaciones contribuyen a unificar las directrices.

8) ¿Cuál es su posición como autora?

Sentada, con la espalda derecha para que no me duela el cuello después de escribir. Luego me paro para defender lo escrito.

9) ¿Cuándo, dónde, quién hará su obra? (El descanso de las velas)

Como la gran mayoría estamos esperando respuesta Fondart, si no sale no se hace. Llegamos a un acuerdo, sin plata no es digno trabajar, ya que se corre el riesgo de la precariedad que sólo va en desmedro de toda la energía puesta para que las cosas funcionen a pulmón. Y menos cuando las cuentas llegan y el banco no pregunta, cobra.

Pero si sale, sería a finales de septiembre y la dirigiría Marco Espinoza.

10) ¿Cuál es el significado de la fragmentación en su obra?

Cuando la escribí (hace ya muchos años, el 2004) no me di mucha cuenta de la fragmentación, porque era el tempo necesario para que los personajes sintieran y digirieran lo que tenían que decir. Ahora releyéndola creo que era pura contención, que si no hubiera estado fracturada, los personajes sólo habrían podido lanzar el cuchillo.

11) ¿Las canciones son suyas?

Sí, toditas mías.

SEGUNDO COMPENDIO

2010-06-21T19:16:00.000-07:00

El teatro en Chile perfila marcadas tendencias que vuelven a manifestarse. El Primer compendio trazó la idea de la imposibilidad de romper el lazo con la familia tribal que vive la cultura hoy día en Chile. Es posible que algo no esté definido individualmente, y se intente a toda costa mantener el cordón umbilical intacto hacia un patriarcado; la individualidad se aferra al discurso castrador de una figura masculina hegemónica.

Esta descripción idiosincrásica es materializada en la elección del tema del incesto por una parte (Combo en la cara y Almuerzo en casa de Ludwig W.); en el tema de la dictadura (Medusa y Las casas de nylon); y el conflicto individuo/sociedad (Hechos consumados y Topografía de un desnudo).

Es interesante notar la dicotomía entre los personajes que poseen familia y los que no. Por ejemplo, es mayor el número de los personajes que se presentan sin familia, pero entre estas obras, aunque no exista la realidad familiar, sí existe el lazo con una forma de patriarcado. Éstas son: Hechos consumados, Topografía de un desnudo, Las casas de nylon, Medusa y El coordinador. Por otro lado, están las obras de texto extranjero que promueven otra lógica, como Ensayo y El último fuego; de texto vacío como Fiesta y los casos especiales de Partir y renunciar (obra de estética) y Las analfabetas (obra de otros grandes temas).

Las obras que presentan personajes insertos en una realidad familiar son: Combo en la cara, Carretera (puñal y delirio), La espera, 2 grados Celsius, HP (Hans Pozo), El olivo, Pérez y Almuerzo en casa de Ludwig W.

La presencia de la familia tribal y el patriarcado alejan a la cultura teatral chilena del vacío existencialista de la Posmodernidad. Trazan un arco de pertenencia y arraigo a un núcleo definido y que se ha mantenido activo en el pasar de las generaciones.

Las individualidades se manifiestan dentro de este marco, en la dificultad de comunicación entre los pares, como ocurre en las obras HP (Hans Pozo), La espera y Partir y renunciar, donde la puesta en escena expresa esta situación en acciones simultáneas que son concordantes tanto en tiempo o en espacio, como temáticamente, lo cual expone una fragmentación alejada de lo que profesaría la Posmodernidad, sino que como una distancia irrevocable entre los personajes. (La fragmentación posmoderna ocurre solamente en un texto tan europeo como El último fuego).

Los personajes del cura’o y el flayte continúan apareciendo como emblemas de la idiosincrasia chilena. Así como el hecho de recurrir al copete para permitir la comunicación entre los personajes (Tímido amor suicida, Almuerzo en casa de Ludwig W., El olivo, Las analfabetas y Las casas de nylon).

Ahora bien, las obras también se pueden dividir entre: Obras de grandes temas / Obras de anécdotas cotidianas.

En el primer grupo se encuentran los temas de la falta de ideales: Tímido amor suicida y Almuerzo en casa de Ludwig W.; el huacho: HP (Hans Pozo) y Carretera (puñal y delirio); el incesto: Combo en la cara y Almuerzo en casa de Ludwig W.; analfabetismo y la utopía sencilla distinta del gran ideal: Las analfabetas; la dictadura: Medusa y Las casas de nylon (cuando se busca hacer estética del tema de la dictadura, resultan trabajos horribles como éstos; pues como se expone en el Primer compendio, lo que hoy funciona es el trabajo de memoria particular y la denuncia que metaforiza una filosofía, lo cual ocurre en obras como Uñas sucias y Hechos consumados); el conflicto individuo/sociedad que convierten estas obras en tragedias: Hechos consumados y Topografía de un desnudo.

En el segundo grupo están las obras: Partir y renunciar, Las putas, Fiesta, El olivo, Ensayo, Pérez y La espera.

En cuanto a la puesta en escena, existen tendencias claras, tales como:

La dirección de estética, en las cuales el texto pierde su valor, pues éste existe sólo en función de la propuesta estética de la obra: el kitsch en Partir y renunciar, el cubismo expresionista en Topografía de un desnudo, el vintage minimalista en Almuerzo en casa de Ludwig W., y por último, el revoltijo con intención de muchas estéticas en Jonás.

El paroxismo en la actuación, en Tímido amor suicida, La espera, Carretera (puñal y delirio), Fiesta, El último fuego y Topografía de un desnudo.

En la escenografía, destacan las habitaciones encajonadas, la reducción del espacio, una habitación, un living-comedor o un comedor. (Ensayo, La espera, Comida alemana).

Tres paredes y un detalle roto. La puesta en escena horizontal de paredes verdes: El olivo, El último fuego, Tímido amor suicida. ¿Por qué las paredes son verdes?

La iluminación es sobria: blanca o amarilla. Ésta se mantiene fija en casos extremos como Payasos de la esperanza, Tímido amor suicida y Fiesta. Los colores en la luz son utilizados para situaciones específicas, como por ejemplo la entrada a otra dimensión: de color fucsia en Partir y renunciar, verde en 2 grados Celsius, Partir y renunciar, Carretera (puñal y delirio), Almuerzo en casa de Ludwig W., y varios colores en Jonás.

Las especificidades en la dirección, son el uso de los personajes en hilera interpelando al público, lo cual posee una tendencia clara y directa con el discurso brechtiano: HP (Hans Pozo) y Tímido amor suicida. Escribir en una pizarra o en el suelo, como búsqueda de la permanencia de una idea, quizás con fines pedagógicos: El último fuego y Jonás. Por último, el recurso humorístico de cantar mal: Las putas, Partir y renunciar y Tímido amor suicida.

Almuerzo en casa de Ludwig W.

2010-06-21T15:04:00.000-07:00

Todo lo que compra un Hipster

Eso es la obra.

Estética shúper (vintage minimalista).

Música shúper (docta pero manejada por un DJ, con unos cortes abruptos horrorosos).

Temáticas shúper (el artista o filósofo atormentado y excéntrico; un poco de copete; un poco de incesto; un poco de culpa por lo elitista del conocimiento que comparten).

¿Los hipster sienten culpa? ¡Ah, no! De veras que hacer referencia a hechos de contingencia es súper cool.

Ficha de la obra:
Dirección: Alexandra Von Hummel
Dramaturgia: Thomas Bernhard
Elenco: Gabriel Díaz, Carolina Arredondo, María José Contesse
Asistencia de dirección: Amalia Kassai y Ada Insunza
Escenografía: Rodrigo Ruiz
Iluminación: Ricardo Romero
Sala: Teatro de la Universidad Mayor
Hasta el 13 de junio

En cartelera

2010-06-01T22:26:00.000-07:00

En el archivo del mes de marzo:

Hechos consumados

Topografía de un desnudo

El coordinador (en el post “Bicentenario apoteósico”)

En el archivo del mes de abril:

Medusa

Tímido amor suicida: espero un hijo del Che (una obra amateur)

2010-05-31T00:45:00.001-07:00

Personas desajustadas que se encuentran

Ellos son personas desajustadas que se encuentran.

Repiten sus discursos con pasión, recrean el sentido de comunidad, un sentido que el cuico fracasado no entiende. Recrean sus pequeñas grandes tragedias; las recuerdan, las reviven, las hacen teatro, las materializan en el personaje. Son capas que se acoplan simultáneas, como la repetición. La repetición del loco.

Ustedes son personas desajustadas que se encuentran.

La obra es una continua patudez, tanto teatral como discursiva:

Los actores son amateur e interpelan al público. No hay mucha preocupación por la escenografía, la iluminación o el sonido. La escena es simple, amateur.

Se dice que Salvador Allende fue el gran traidor de la patria; se dice que un niño con el síndrome de Down es un baboso que se preocupa porque el pasto llora; que este niño malformado es hijo del Che.

“Porqué no se ríen un poco, Chile”

Somos personas desajustadas que se encuentran.

El discurso se devuelve. Una carga emotiva descomunal en el notable personaje de JORGE. La obra del Che nunca llegó a formarse, aquí nunca ocurrió. Chile es la hielera del continente.

Los actores funcionan. El humor resulta. La emoción llega.

Los aplaudo de pie, fue un gusto ver siempre la sala llena, y esperamos otra temporada, ¡¡¡viva!!!

Ficha de la obra:
Compañía: Fantasía capitalista
Dirección: Marco Layera
Autor: creación colectiva de Marco Layera y compañía Fantasía capitalista
Elenco: Alejandro Navarro, Alexis Cares, Daniella Gutiérrez, Francisca Rojas, Pedro Pablo Velarde
Diseño e iluminación: Compañía Fantasía capitalista
Producción: Compañía Fantasía capitalista

Sala: Lastarria 90
Hasta el 30 de mayo
Jue-Vié-Sáb-Dom a las 21:30 hrs.
$3.000 general, $2.000 estudiantes y 3era edad, $2.000 jueves populares

Las putas

2010-05-26T14:27:00.000-07:00

Mostrar y no decir

Hay un propósito claro de hacer reír a la audiencia.

De ensalzar cuerpos femeninos en juegos coreográficos.

De mostrar hechos contingentes, relacionados con el hacer de la mujer, como puta, como ingenua.

Mostrado. Verlo nuevamente. Lo mismo que todos saben, pero en el teatro.

La planta de iluminación mostró un trabajo bien interesante. Unos neones de fondo de cabaret de callejón rancio, y al medio, una especie de altar, ¡excelente! Que iba iluminándose de distintas formas. La música también aportó sensualmente a la propuesta.

Las actrices tenían un especial ímpetu. Pero quien resaltó lejos de entre todas, es la chica rubia de pelo corto, que hace el personaje comiquísimo del cuasi “Luciano Bello”. Las chicas son muy graciosas.

Felicito a la producción, la sala estaba repleta. Muchos lo pasaron bien, otros no tanto. Pero sí, harta bulla.

Ficha de la obra:
Dirección: Rodolfo Armijo Olguín
Dramaturgia: Josefina Fuentes Florín
Elenco: Josefina Fuentes Florín, Renata Casale Salinas, Rocío Del Pino Lobos, Dominga Gutiérrez Epstein y Valentina Krzeminski Koster
Asistente de dirección: Denis Armijo Corvalán
Diseño: Claudia Wilson, Natalia Muñoz
Realización Técnica: Antonia Mendia Oliver y Gonzalo Dalgalarrando Haritçalde

Hasta el 29 de mayo
Sala: Sergio Aguirre
Jue-Vie-Sáb a las 20:30 hrs.
$3.000 general, $2.000 estudiantes

Carretera (puñal y delirio)

2010-05-26T13:08:00.000-07:00

“Tengo vergüenza en los ojos”

Y con razón.

Las actuaciones son espeluznantes: sobreactuaciones vacías.

La dramaturgia hace remembranza a una obrita descrita anteriormente, (2 y algo)… se describe el paisaje, mientras que el diálogo no va a ningún lado.

Hay un lamento hacia Dios, y después, como Dios no pesca, le hacen el lamento a la Virgen. ¿Si se blasfema a Dios, no es volverse repentinamente apóstata? ¿Acaso la Virgen no está en el mismo eje de Dios? Por favor, qué falta de respeto hacia las personas que se dedican a vender escobas, los dejan como unos estúpidos ignorantes, de vidas miserablemente sórdidas.

De nuevo la luz verde y el sonido “prrrrr” (así como un avión despegando), para simular la entrada a otra dimensión.

Mucho grito, mucho desmayo y mucho ruego y patetismo de las mujeres y el niño mamón con la llegada del padre: las mujeres se someten y el hijo finalmente se alza, proponiendo la caída del “macho alfa” con la metáfora del sacrificio de una oveja. Una oveja de peluche ¡jajajaja!

Un niño de cinco años habría tratado mejor el tema del “huacho”.

Había como cinco personas en el público. Las tías, la mamá, la prima. Ni siquiera merece un abucheo.

Ficha de la obra:
Compañía: El hijo de Chile
Dirección: Carla Gaete, Daniella Banchieri
Dramaturgia: Carla Gaete, Daniella Banchieri
Elenco: Carla Gaete, Daniella Banchieri, María Nelly Miranda, Jaime Leiva, Ítalo Spotorno
Diseño escénico: Nicole Ojeda
Realización: Ingrid Hernández
Música: Carla Schuller
Producción: Andrea Salazar, Daniel Méndez

Hasta el 29 de mayo
Sala: Teatro del puente
Jue a las 21:00 hrs. Vie-Sáb a las 20:00 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes y 3era edad, $2.000 jueves populares
Este último fin de semana $3.000 general y (Vie-Sáb) estudiantes 2x1 en el valor general

Combo en la cara

2010-05-24T00:38:00.000-07:00

Un ensayo de incesto

El texto, llamado originalmente Hijos de, se revuelca en la intimidad y dinámica de tres hermanos: ellas con el padre, él con la madre. Cada uno maneja un lenguaje empelotado y certero, digno de un pulido trabajo bajo la mirada Radrigán.

La dramaturgia es circular, como se estila en el teatro político, mas sin embargo, ésta no es una obra política. Lo único que podría relacionarse directamente con el tema, sería que el padre es un milico anónimo. Indirectamente, la referencia a los años ’70 en el estilo de la puesta en escena: la canción de Camilo Sesto y el encubrimiento de identidades (que en este caso lo hacen con pelucas).

Lo político no es más que un adorno temático, al igual que la situación actual de la madre. Pues son los hijos de nadie. La obra se construye mediante los testimonios de adultos que fueron violados, en un juego típico de los hermanos: el otro siempre tiene el mejor juguete, en este caso, una tuvo un hijo.

El ritmo logrado a partir del texto, la actuación y la puesta en escena, logran una fluidez y sonoridad que captan inevitablemente la atención; los ruidos, la música, y la iluminación apuntan al imaginario colectivo pop. La dirección busca atacar por todos lados: estrellitas de fondo, segmentación de la obra (prólogo-epílogo), las pelucas, una grabación, el juego de luces, los cambuchos, los huevos, las cucharas, todo digerido y muy ensayado, lo cual alcanza una semiótica a prueba de tontos. El fantasma (escénico) y el perro (dramatúrgico) son metáforas bastante directas, que no necesitan mayor interpretación. Un buen calce, pero nada para llevarse de ahí.

Perfectamente podría evocarse el concepto de Naturalismo, puesto que la obra es un experimento acerca del incesto. Cada personaje, en su realidad privada, es sometido a una infancia podrida, sin una verdad detrás. La obra no cuaja.

La mitad del público aplaudió recogido; la otra, desinteresado. Un aplauso normal, respetable.

Ficha de la obra:
Compañía: La cabeza
Dirección: Ariel Lagos
Dramaturgia: Claudia Hidalgo
Elenco: Ariel Lagos, Daniela Manríquez, Marcia Césped, Cabeza de Bolsa
Asistencia de dirección: Felipe Rubio
Diseño integral: Humano
Producción: Bernardita Vila, Álvaro Saavedra

Hasta el 30 de mayo
Sala: Lastarria 90
Mar-Mié-Jue-Vie-Sáb-Dom a las 20:00 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes y 3era edad, $2.000 martes a jueves populares

*Las analfabetas

2010-05-20T13:00:00.000-07:00

***La gracia del nuevo comienzo del final

La puesta en escena se basa en la actuación. Los elementos de la escenografía, la iluminación, el vestuario, la música, están construidos a partir del perfil de los personajes y de un campo semiótico formulado a partir del tema: analfabetismo.

Dramatúrgicamente, ocurre lo mismo: se construye un campo semántico, lo cual expresa la madurez del trabajo. Es tan chileno, tan cuidadoso, un trabajo que evoca mucha ternura.

Es notable el dinamismo entre las actrices, que ocurre gracias al logro dialógico del texto, y a la química que hay entre ellas. Son personajes que te acompañan por mucho tiempo.

Ahora bien, el final de una obra, por lo general, es intenso, metafóricamente exacerbado, busca algo, busca un efecto, busca moralizar, busca repeler; en fin, siempre busca una respuesta a la existencia de la obra, y es el momento de mayor intensidad, porque es el clímax o su caída.

En este caso, el final es una anagnórisis temática, no así de la acción dramática. La expectativa se mantiene hasta la escena obligatoria, que no es ni la gran escena (espectacularidad), ni lo diametralmente opuesto, que sería invertir el suspense hacia la desilusión de la audiencia, lo cual también remite a la búsqueda de un impacto o a la tendencia del final abierto. Aquí ocurre otra cosa:

La armonización del tema de la obra, la anagnórisis del campo semántico, en un final cerrado que no busca impacto alguno. Ahí está la gracia; es un Realismo puro llevado a la forma. Algo así como un Neorrealismo chileno, siendo que el arte de Chile se caracteriza por el “menos es más”. Esta propuesta estructural, reconcilia una situación proponiendo el siguiente discurso:

“Sí son posibles las utopías, y no son la gran cosa”, lo cual es el mejor regalo que puede recibir alguien atrapado. Qué más altruista que ofrecer una salida. Ojalá todo Chile vea esta obra.

Aplaudo de pie a las maravillosas actrices, con mención especial a Paly García que emociona profundamente. Gracias por esta bella experiencia, ¡¡¡BRAVO!!!

Ficha de la obra:
Compañía: La Gracia
Dirección: Nicolás Zárate y colectivo
Dramaturgia: Pablo Paredes
Elenco: Paly García, Valentina Muhr

Sala: Teatro Mori Bellavista
Desde el 9 de mayo
Sáb a las 22:30 hrs. Dom a las 19:30 hrs.
$6.000 general, $3.000 estudiantes y 3era edad

Fiesta

2010-05-18T02:00:00.000-07:00

Sólo imágenes vacías

Un teatro de sensaciones, que sin texto, puede construir forma en base al cuerpo de los actores. La recreación de fragmentos del inconsciente, de "lo inconsciente", de lo onírico. Cuando la forma propone contenidos, puesto que las imágenes remecen. Provocar desde el Surrealismo.

Eso no ocurrió.

Una borrachera informe, con acciones entrecortadas, lloriqueos, mucha estupidez jugosa: un continuo de impulsos sin sentido.

Eso sí.

La escenografía, la iluminación y la música final, son adornos estructurados. Finalmente, es comprensible que lo conservador y lo irracional forman un oxímoron: un berrinche burgués.

Los asistentes eran parte del núcleo de la compañía y no aplaudieron tanto tampoco. Pero igual es súper chori hacer teatro pa’ los amigos.

Ficha de la obra:
Compañía: Insomnio
Autor: Creación colectiva
Dirección: Trinidad González
Asistencia de dirección: Nathalia Galgani
Elenco: Roberto Cayuqueo, Nathalia Galgani, Ingrid Isensee, Cristián Martínez, Fernanda Olivares, Macarena Seguel
Colaboración y música: Tomás González
Diseño y producción: Ingrid Isensee
Iluminación: Amanda Osiadacz
Foto afiche: Daniel Olivares
Sala: La vitrina
Hasta el 30 de mayo
Vie-Sáb a las 21:00 hrs. Dom a las 20:00 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes

Partir y renunciar

2010-05-14T15:20:00.000-07:00

Estética kitsch, sin ser una obra kitsch

La puesta en escena horizontal, está formulada dentro de la estética kitsch al ser distorsionada: el espacio está reducido, los personajes se mueven en un mundo chiquitito; al recurrir al amontonamiento y a las superficies repletas de objetos que han sido reciclados y que casi no tienen funcionalidad. El caso emblemático de esta caracterización, es el personaje Karsten, quien vive coleccionando objetos inservibles, preso del consumo de masas, optando por materiales sustitutivos (mucho plástico y fibras sintéticas). La escenografía y la iluminación hacen el contraste de colores puros y fluorescentes; envueltas en canciones y música cursi.

La nostalgia y el sentimentalismo son logrados a partir de una situación muy sencilla: la polola de Tender decide irse a recorrer Europa. Esta decisión se enmarca en el fundamento del kitsch por excelencia: aparentar lo que no se es, y copiar un molde burgués. Esta niña se va sin ni uno, y lo pasa como las huevas, porque está imitando aspiracionalmente una conducta que en realidad no asume ni desea.

Los personajes masculinos también copian modelos burgueses. En el caso de Karsten, hay un momento en que decide cambiar de look para verse “como corresponde”, estos es: con el pelo corto, ordenado, con un chalequito estilo “Polo” pero Vintage. El otro chico se avergüenza por trabajar en un Call Center e intenta formular un proyecto Fondart, que no le resulta. En fin, estos tres personajes aspiracionales, son internamente ingenuos, y son cursis porque esta ingenuidad se basa en su desconocimiento de los códigos que maneja la burguesía (lo que quieren ser). Tender no aspira a nada porque es muy tender.

El hombre kitsch reacciona frente a su estigmatización, y se resiste a la segregación social. Aquí no ocurre eso, pues se ahonda en el testimonio.

¿En qué momento la anécdota pasa a convertirse en obra?

Se quedó en lo anecdótico.

Hubo risas, el aplauso fue normal, menos el de un cabro que le cargó.

Ficha de la obra:
Dirección: Javier Riveros
Dramaturgia: Amelia Bande
Elenco: María Paz Grandjean, Marcela Salinas, Rafael Contreras, Tomás Espinosa
Dirección de arte: María Jesús Ruiz
Asistencia dirección de arte: Daniela Vargas Flores
Iluminación: Cristián Matta
Música: Daniel Bande
Diseño: Annette Knol
Prensa: Consuelo González
Producción: Amelia Bande
Asistencia producción: Catherine Cordomi
Sala: Teatro del puente
Hasta el 30 de mayo
Vie-Sáb a las 22:00 hrs. Dom a las 20:00 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes

Jonás

2010-05-14T15:08:00.000-07:00

Preparación de un teatrolíbranosdelmall

Vierta en una juguera los siguientes ingredientes:

- Cultura Yanki

- Algunas piezas de un rompecabezas

- Nazismo

- Catolicismo

- Pinochet

- Una ballena-nereida

- El designio de un dios pagano

- La duda y negación de Jonás

- El enamoramiento de Jonás

- La soledad de Jonás

- El dios pagano, pero también católico, es centroamericano, pistolero, posmoderno, parecido a Piñera: tiene aviones, habla por celular y toma Coca-cola

- Un momento de hiperbatones

- Ritmos árabes, luego medios swing, un didgeridoo y una guitarra eléctrica grabada

- Terroristas irakíes

La mezcla se sirve en un platito neobarroco.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro líbranos del mall
Dirección: Claudio Reyes Altamirano
Dramaturgia: Claudio Reyes Altamirano
Elenco: Claudio Reyes Altamirano, Bárbara Santander, Gonzalo Ledezma, Claudia Lavandero, Lorenzo Saavedra, Lucas Gnecco
Diseño: Claudio Reyes Altamirano, José Muñoz, Jessica Guzmán, Ana Mazuelos
Música: Andrés Guayasamín
Iluminación: Teatro líbranos del mall
Sala: Anfiteatro del Bellas Artes
Hasta el 15 de mayo
Jue-Vie-Sáb a las 21:30 hrs.
$3.000 general, $2.000 estudiantes y 3era edad

La espera (viaje instantáneo hacia la descomposición de un ser humano)

2010-05-10T12:57:00.000-07:00

Me quedo con la verdad de la pareja y su núcleo familiar

Esta es una obra hecha por cinéfilos. Hay préstamos del cine que resultan interesantes y atractivos, tales como los fundidos a negro y la buena estrategia de sonido, que ambientó tensamente el espacio escénico.

Una pareja presenta un lenguaje dolorosamente humano, sencillo e incisivo.

Ella aprendió a hablar con él.

“Huevo” y “pasto”.

Él es un mamón de tomo y lomo. Un personaje cuidadosamente construido, preso de una contención emotiva gastada, impotente. Una actuación realmente sobresaliente y brillante.

Ambos transmiten una química bastante especial.

Ambos manifiestan su malestar en acciones físicas trastornadamente provocativas.

La “madre” de ella es una creación ominosa.

El “hermano” de ella es un cabro encantador.

El supuesto vínculo familiar perturba extrañamente.

La propuesta escénica es moderada, convencional, con detalles simbólicos bien logrados, tales como la pequeñez de las sillas, los retratos demoníacos de la familia supuesta, la ventana y su uso, el televisor. Los detalles mal logrados fueron: la mesa para planchar desordenada, que fue sólo un adorno; y la ida a comprar papas, las cuales no fueron utilizadas, puesto que ya tenían papas para cocinar.

El discurso del autor es el siguiente:

Las mujeres tienen que ser bonitas antes que cualquier otra cosa. El hombre ama a su mujer, pero es imposible ser feliz con ella, porque siempre habrá otra más bonita. Por consiguiente, la mujer quiere lo que tiene la otra (una mujer ideal que no existe), que es infelizmente inalcanzable e imposible.

Entonces aparece “el seductor”: un actor cero seductor, que resulta ser una muy mala copia del “vaquero” de la película Mulholland Drive. Un personaje que viene de la nada, sin propósito alguno, y resulta ser una especie de “diablo”.

El “diablo” chupa el deseo de la pareja, y sale por el culo de una ramera… ¡Preciosa la imagen! Así es, el diablo trae a la prostituta infernal, la mujer ideal que arregla el mundo de la pareja, obrando la Trinidad unificadora como una excreción… ridículo pero muy chistoso, hay que decirlo. Claro, la pareja será muy feliz con el pollito.

¿Y el pasto? Para el FINAL APOTEÓSICO, Mágico, Espectacular, Encandilador, Cinematográfico, ¡Pompa, pura pompa!

El elemento mágico volvió ridícula la obra.

Asqueroso final.

El aplauso del público fue pausado y desacompasado.

Ficha de la obra:
Compañía: La Laura Palmer
Dramaturgia: Italo Gallardo y Jorge Arecheta
Dirección: Italo Gallardo
Asistencia de dirección: Jorge Arecheta
Elenco: Jorge Arecheta, Pablo Barbatto, Pedro Bustos, Adriana Guerra, Jacinta Langlois, Pilar Ronderos
Diseño integral: Italo Gallardo y Manuel Pérez
Asistencia técnica: Tomás Ahumada
Producción: Catalina Osorio
Desde el 5, hasta el 22 de mayo
Sala: Agustín Siré
Mié-Jue-Vie-Sáb a las 20:30 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes y 3era edad, $1.500 miércoles popular

2 Grados Celsius

2010-05-10T09:18:00.000-07:00

Una descripción literal

¿Por qué los personajes se informan entre sí, sobre la realidad que comparten?

¿Para qué se habla de destrucción, si ni los personajes, ni el espacio, ni un discurso, se destruyen?

Los personajes presentan una rotunda incoherencia en su construcción, como la niña-vieja chascona; la mamá de Víctor, que en un momento es joven, luego pasa el tiempo (ella rueda por el piso) se levanta del suelo y ¡es vieja!; los varones, cuando se ponen paranoicos, se vuelven amanerados; y por último, esta pobre niña que sale al principio, nerviosa como gelatina, ida, intentando actuar, lanzando los textos desde la memoria dura, pobresita… en el aplauso se aplaudía a ella misma, algo realmente conmovedor.

Además son personajes planos y sin motivación.

Las peleas cotidianas no expresan una devastación; los textos más terribles son:

“Me voy”

“Me quedo en casa… mejor vámonos”

Luego de esta Terrible Tensión, el actor se ríe a carcajadas. Todo el rato lo mismo. Una risa insoportable. Qué poco repertorio de acciones físicas y psicológicas.

La puesta en escena… ¡literal!: el vestuario, la especie de salamandra echando humo, el sonido del viento y de remezón (el típico sonido “prrrrrrr” como si un avión despegara encima de uno), el transcurso espacio-temporal ¡Dios santo! (mueven la escenografía de un costado al otro), el lienzo blanco de fondo, arrugado, una planchadita por lo menos…

No hay nada provocador, todo muy ajustado al efectismo.

Se atestigua sobre un paisaje sin vivirlo, donde sólo Víctor tiene nombre. Eso fue la obra: hablar desde el anonimato, de algo desconocido, y bien al lote. Este estado, ¿fue resultado de una conspiración en que Víctor está involucrado, o sólo la humanidad avanzó hasta este punto? El autor se desentiende, no se complica, nadie se complicó mucho en realidad.

La obra carece de objetivo. La destrucción inicial es la misma del final.

¿Acaso una obra de arte, no es una interpretación de la Realidad?

La doble interpretación resultante en la recepción de la obra, quedó nula.

El público estaba conformado por familiares y amigos de los Artistas, quienes por supuesto aplaudieron y gritaron.

Ficha de la obra:
Autor: Simón Aravena
Director: Simón Aravena
Elenco: Francisca Bordignon, Virginia Beltrami, Álvaro Castillo, Benjamín Matthey, Patricio Ovalle, Estíbaliz Moure
Hasta el 9 de mayo
Sala: Teatro Universidad Arcis

HP Hans Pozo

2010-05-02T23:59:00.001-07:00

“Mejor hubieras sido hijo nonato”

Una mala madre y un asesino.

Una madre que brama por su hijo y un hombre enamorado.

Retratos de sensibilidades entrañablemente humanas.

Un dolor, una imagen, una proposición. Un hecho visto desde un prisma. Un hecho teatral que socava la realidad.

La obra.

La obra propone una estética flayte sorprendentemente lúdica, inserta en la cultura del videoclip.

La obra tiene como olor a baño, olor a pobre.

La obra dramatúrgica posee canciones, textos informativos, metateatro. En movimiento, transmutando.

La estructura escénica de las obras de Barrales es extendida: ya sea con situaciones simultáneas, o bien, con los actores hablándoles al publico en hilera, porque la construcción dramatúrgica son bloques-personajes. Las obras son personajes, donde cada uno propone una forma de lenguaje, como desdoblamientos del autor.

Aplaudo de pie a María José Bello que me hizo llorar como chancho. A Rodrigo Soto, una cordial reverencia a su enorme gracia y entendimiento cabal de un sentimiento intenso. Aplaudo a los demás también, por supuesto.

El público lo pasó increíble, con una atención y respeto admirables. ¡Bravo!

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro La Nacional
Dirección: Isidora Stevenson
Dramaturgia: Luis Barrales
Elenco: Sebastián Ibacache, María José Bello, Rodrigo Soto, Isidora Stevenson, Evelyn Ortiz
Diseño teatral: Fernando Briones
Iluminación: Daniela Valenzuela
Sonido: Daniel Malaborí
Producción: Pablo Andrada

El último fuego

2010-05-02T23:40:00.000-07:00

La obra muda

El exceso de metáfora se convierte en silencio.

La distinción entre “palabra” y “vocablo”, la alegoría críptica de un sentimiento, de un desconocimiento de lo que ha pasado y está pasando, mucho ruido, mucho desorden, mucha confusión, mucha ida y venida, mucho mutismo, sí, algo realmente ensordecedor.

Una fiesta punk posmoderna en una sala de clases chueca: nadie sabe mucho acerca de nada, todos los personajes tienen nombres europeos, raros que uno olvida al segundo, la muerte de un niño, y los adultos en la sala de clases tratando de articular nociones sobre este hecho, los adultos quedan reducidos a niños, la justicia también, no queda más que caos e ignorancia.

Lo insufrible, es que el público se queda con la boca cerrada, impotente, fracasado, sin poder tragar la obra, y uno intenta probar, saborear, pero no lo dejan. El autor escribió para sí mismo. El director eligió un texto donde las mini-historias europeas no tienen nada que ver con nosotros; si no es una pantalla, es un texto indescifrable, sí, la vanguardia…

El público agradecía cuando la obra entregaba un cantito de piel desnuda. Toda carne estaba herméticamente cubierta.

Ficha de la obra:
Dirección: Luis Ureta
Dramaturgia: Dea Loher
Elenco: Ana Reeves, Paly García, Aldo Parodi, Jaime Mcmanus, Kiki Rojo, Sara Pantoja, José Tomás Guzmán, Carlos Ugarte
Producción: Monserrat Estévez
Hasta el 8 de mayo
Sala: Finis Terrae
Jue-Vie-Sáb a las 21:00 hrs. Dom a las 19:30 hrs.
$4.000 general, $2.500 estudiantes y 3era edad

El olivo

2010-05-02T18:57:00.000-07:00

La simplicidad la lleva

El efecto humorístico es satisfactoriamente conseguido a partir del lenguaje simple y cotidiano. Hay un buen manejo de la jerga flayte.

La dramaturgia, así revelada estilísticamente, se asienta en la narración y ejecución de pequeñas historias de gente dicharachera, con sus nobles penas y amarguras. Esto ocurre en un contexto muy bien delimitado, que realmente da la sensación de estar en un bar del sur de Chile, cuando el copete nubla el sentido común, y las hilachas quedan mostradas, expuestas. Son jugos bien construidos, en interpretaciones actorales notablemente logradas.

Hay un excelente conocimiento del cura’o, personaje emblemático de nuestra cultura.

El montaje es ultra simple, horizontal, con un funcionamiento bastante prolijo. El sonido exquisito, elegante, suave. La pantalla estaba súper, con imágenes maravillosas, pero creo que no la aprovecharon lo suficiente, pues cambió sólo un par de veces, del día a la noche—de la noche al día, con cortes abruptos, lo que restó magia a las sensaciones que entregaba el todo.

Tuve problemas con el final. No hubo pretensión durante toda la obra hasta este punto: quiso ser emocionante a partir de una reconciliación sin sustento; la historia y los personajes no llegaban a ese puerto. Resultó un implante de felicidad que el autor quiso darle, con un pela’o apocalíptico (personaje que aparece de la nada), recitando una “poesía” harto clisé.

El público lo pasó excelente.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro niño proletario
Dirección: Luis Guenel
Dramaturgia: Sally Campusano
Elenco: Evelyn Ortiz, Francisco Medina, Patricia Guzmán, Silvia Marín, Claudia Cabezas, Claudio Riveros, Antonio Altamirano, Cristián Flores
Asistente de dirección: Francisco Medina
Diseño integral: Catalina Devia
Escenografía: Rodrigo Iturra
Videos: José Luis Torres Leiva
Música: Diego Noguera
Diseño gráfico: Alejandro Délano
Ilustración: Tomás Ives
Producción: Sally Campusano
Hasta el 2 de mayo, Espacio Patricio Bunster, Matucana 100.

Las casas de nylon

2010-05-02T17:10:00.000-07:00

Hicieron mierda dos buenos temas. Pésima obra.

Las casas que entrega el gobierno y la prostitución transexual son tratados sin metáfora y sin profundidad, más bien, como meras acciones descontextualizadas, sin efecto alguno.

Las situaciones se presentan como maquetas que se van cortando, sin alcanzar a construirse. Es una secuencia de acciones vanas, tales como: muchas cachetadas, dos robos que funcionan como prótesis de los celos de una niña insegura (se supone que era otro transexual) y un grafiti de rayas indescifrables. La puerta número 73 no me dice nada, a no ser porque es el número ‘73.

Claro, la escenografía podría haber sido un elemento interesante, pero estaba tan mal construido, que fue una instalación vacía y ridícula: lugar de una idea que el autor no conoce. Algo rayando en el chiste: hacen una lluvia adentro de esta instalación, con un regador en el techo, y ponen una imagen de un caballo corriendo: esto simboliza “la muerte”. Una muerte con una pistola. ¡Patético!

A ver, el sexo oral, las peleas a empujones, las amenazas ridículas, la puta tirando un pollo o el huevón vomitando, no son acciones que muevan, si no están construidas a partir de un conflicto.

Además, los actores son tan malos, que dicen los textos como leyendo una lista. Los textos decisivos dicen algo así:

“Una puta es una mujer triste”

“¿El otro te la metió mejor que yo? Responde.”

“El cabro chico llora todo el día, hoy no aguanté más y le pegué a mi mujer. Yo no quería tener un hijo, pero no me atreví a abortar.”

“Querí mi plata, ¿por qué no podís amarme, ser mi amigo?”

“No sé si soy gay”

¡Uy! Qué profundo.

Más encima, uno se caga de frío en el Espacio Explanada de Matucana 100, y escucha los autos y las micros pasar, ensalzando las pifias de sonido y la poca voz de los actorcillos.

La poca gente que había, conversaba. Escuché dos aplausos.

Ficha de la obra:
Compañía: Dispositivo teatral
Dirección: Camilo Reyes
Dramaturgia: Sebastián Cáceres
Elenco: Alejandra Jiménez, Roberto Cabrera, Gabriela Arancibia
Escenografía: Ricardo Ogalde
Iluminación: Francisco Salgado
Sonido: Lautaro Barbaric
Producción audiovisual y gráfica: María Paz Leyton, Juan Carlos Ampuero
Producción: Ricardo Ogalde
Hasta el 25 de abril en Matucana 100

Ensayo

2010-04-13T16:23:00.000-07:00

¡Cuánta gracia! Lo pasé la raja

Cero pretensión en la dirección, lo que cautiva de inmediato, sin caer en lo pobre y desarticulado. Hay unos tiempos indescifrables que construyen un ritmo escénico ¡delicioso! Entre lento y muy rápido, las cotidianidades de este grupo de muchachos cantores, fluyen de manera vivaz y llenas de sentido.

Cada personaje revela una interpretación actoral trabajadísima, particular y coherente, presentando conflictos simples, muy cercanos y de fácil mecanismo para la identificación.

El lenguaje es una búsqueda entre nuestros términos y frases estereotipadas más graciosas y emblemáticas, desencadenando un clímax humorístico al final que dejó la cagá.

En este tipo de propuestas, la simpleza y la falta del gran conflicto quedan completamente condonadas, pues la acción dramática de igual manera está trazada: a partir de una línea humorística, desde el eje del absurdo de cada historia, desde una partitura musical imaginaria.

El público estaba full prendido. Agradezco la buena dirección, así como el trabajo y carisma de los actores. ¡Un gran aplauso!

Ficha de la obra:
Puesta en Escena: Carlos Bórquez
Dramaturgia: inspirada en Orquesta de señoritas de Jean Anouilh
Elenco: Priscila Guerra, Cecilia Herrera, Valentina Jorquera, Maite Lanchares, Juan Pablo Miranda, Mónica Ríos, Carla Romero, Elisa Vallejos
Preparación vocal: Leo Canales
Espacio escénico: Carlos Bórquez
Realización escenográfica: Rodrigo Iturra
Jefe técnico: Alejandro Bradasic
Producción: Maite Lanchares
Sala: Teatro de la Universidad Mayor
Desde el 25 de Marzo, hasta el 25 de Abril
Jue-Vie-Sáb 21:00 hrs. Dom 20:00 hrs.
$4.000 general, $2.000 estudiantes y tercera edad. Jueves populares a $2.000

Medusa

2010-04-13T15:07:00.000-07:00

Ni risa ni pena

No hay propuesta semiótica. El espacio es un living horrible.

Horrible porque no está ni desvalijado, ni tan viejo, ni tan oscuro, ni tan iluminado, no es de ninguna clase social. Indeterminado. Plano. Fome. Y una puerta horrorosa.

Horrorosa porque debiera ser el elemento enigmático, contenedor del suspenso. Es una tabla parada que no intimida a nadie, carente de función significativa.

La obra entera es la espera a que algo pase ¡por favor!, que algo del extraescena irrumpa en la situación que partió sin situación. ¡Por favor, un deus ex machina sería perfecto, lo mejor que podría pasar!

La historia comienza así: tres mujeres (que demás pueden ser un solo personaje jugoso), se presentan con unas anécdotas cero interesantes: una se pone nerviosa porque no puede ver al hijo, la otra da jugo en la calle y se ríen de ella, la última quiere follar con un extranjero o chileno, no sé. Ésa es la obra más menos, sin más profundidad que meras referencias y berrinches. No se perfila conflicto claro aparente.

Todo está tratado desde la “fragmentación”, que la manifiestan con unos cortes de luz que hace Nona Fernández con un interruptor que está pinchado en la tabla parada. Entonces, estas situaciones presentadas vagamente, pasan como recuerdos de una mujer muy confundida, simplona y aburrida.

No quiero ni mencionar al gato invisible, ¡Dios mío! Más encima, era un “gato suicida”, ayayai…

Tampoco hay propuesta de lenguaje. Hay una sarta de clisés insoportables, tales como: “oye, tú estás caminando sobre cadáveres”; “ésta es la luz que nos merecemos”; y el colmo absoluto, cuando la más loquita empieza a dar una clase magistral de Wikipedia.

Termina… ¡AAhh eran soplonas y la loca jugosa… eso! Y la metáfora del título, puffffff, ya ya, ok, shhhhhhht, tranquila, tranquila... ¡Porque era una metáfora, ¿cierto?!

Pensaba en la obra “Toda esta larga noche” de Jorge Díaz. Cuánta añoranza hacia los buenos dramaturgos. ¿Qué pasó?

¿Y el director? Aaaaahhh! Pero si es el de Pedro de Valdivia, el chico sin intención. Claro que calza.

La audiencia estaba tiesa, se agradecía que alguien tosiera para que hubiera algún signo de sorpresa.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro La Trompeta
Dramaturgia: Ximena Carrera
Dirección: Sebastián Vila
Elenco: Carmina Riego, Nona Fernández y Ximena Carrera
Afiche: Valeria Artigas
Sala: Lastarria 90
Desde el 10 abril, hasta el 1ero de mayo
Jue-Vie-Sáb a las 21:30 hrs.
$3.000 general, $2.000 estudiantes y tercera edad. Jueves populares a $2.000

Nueva temporada en la Sala Sidarte
Desde el 7 de mayo, hasta el 19 de junio
Jue-Vie-Sáb a las 21:00 hrs.
$5.000 general y $3.000 estudiantes

Pérez

2010-04-12T00:10:00.000-07:00

La tragedia de la niña

Una niña vive la tormentosa experiencia de que sus padres se separan. Pero la niña parece no tener idea de lo que pasa, es mucho para ella. No toma ninguna determinación y su única salida es ser una malcriada. Huevea al padre para que la consienta otra vez, puesto que la ha dejado de lado por su nueva polola.

Y llueve.

La niña en su ataque de rebeldía sale y se moja.

Hace una pataleta y llora.

¿Decidirá aceptar a la polola del padre?

Éste último, el villano, representa al pelele miserable, malvado, ser humano común y corriente, que ha maldicho a esta pobre niña con su apellido, signo de lo más trágico de la obra… llamarse “Pérez”.

¿Elementos escenográficos? Una casa de playa, de clase media alta. ¿Iluminación y música? No recuerdo, your welcome. Me gustaron unas plantas y unas piedras que estaban en el borde izquierdo del escenario.

Ni había público.

Ficha de la obra:
Dramaturgia: Elisa Zulueta Yáñez.
Dirección: Elisa Zulueta Yáñez.
Elenco: Luis Gnecco, Antonia Santa María, Natalia Grez.
Sala: Teatro del Puente.
Desde el jueves 25 de marzo.
Jue-Vie-Sáb a las 20:30 hrs.
$7.000 general, $4.000 estudiantes y tercera edad.

PRIMER COMPENDIO

2010-04-06T20:18:00.000-07:00

Somos unos huevones pesimistas. Existe una aversión al final feliz. Esto se debe en parte a que persisten algunos discursos de la Modernidad: vale decir, que un patriarcado o un matriarcado sigue operando en el inconsciente colectivo, que exigen la rebelión hacia ellos. Más específico aún, es el funcionamiento de la familia tribal, donde es necesario romper el lazo, darle fin, cortar el cordón umbilical, lo cual implica un desastre penoso.

Cuando Cinema Utoppia reconcilia al final, “el tirano de la utopías” pasa a ser un discurso hegemónico caído, como si realmente viviéramos en la Postmodernidad; pero eso no ha ocurrido aún en Chile. Estamos lejos de vivir en la caída de todos los discursos, mas sin embargo, la aprehensión de ciertas temáticas ha ido mutando en el tiempo:

Dictadura: no la vemos escenificada, sino que es narrada desde la subjetividad anecdótica: un trabajo de memoria excepcional. Es decir, que no es considerada como un símbolo estético, sino que como la denuncia a un pasado de imposible retorno (ejemplo: Uñas sucias).

Un rasgo de nuestra idiosincrasia es que no podemos hablar o nos cuesta mucho, como se advierte en la obra Plaga. Nos define que geográficamente estamos aislados, hubo un tiempo en que la movida no llegaba pa’ acá y nos fuimos pa’ dentro; nuestro suelo es inseguro, tiembla a cada rato; apenas conocemos nuestras raíces, sabemos muy bien lo que hicieron los españoles, pero ¿y las tradiciones precolombinas y nuestra mitología, cobran presencia en nuestras vidas cotidianas? ¿Desde dónde hablamos?

¡Desde el copete po’, hermano! (Diciembre, Cinema Utoppia, Neva); con un puchito, hermana (Uñas sucias). Hay un descontento existencial generalizado, por no tener nada realmente valorable qué hacer, y los refugios o escapatorias para esta sensación son muchas veces el cine y el copete.

La desilusión del lazo entre los hombres, llevan a confiar y establecer relaciones profundas de afecto con el reino animal, que se convierte en la única instancia que tenemos para ser amos, porque al no hablar, somos casi siempre el subyugado por otro. Cuando muere el animal, se muere el amor, la esperanza, una parte de nosotros mismos: (Cinema Utoppia; Lo crudo, lo cocido y lo podrido; Neva; Uñas sucias).

Pero, hay algo que nos hace realmente plenos, y eso es el chisme. ¿Cómo no pelar? Más que ser una faceta mal intencionada, es una instancia humorística y privada que nos acerca, nos alivia y reconforta. Mantiene la memoria activa y propone temas en nuestras mesas.

Rarezas: tenemos formas bien viscerales de referirnos al amor, toda esa mierda que acumulamos adentro, se drena de formas insospechadas pero muy auténticas, lo que hace harto interesante enamorarse de un(a) chileno(a). El pene negro en Neva o el gatille’o al tuerto en Diciembre, ¡inolvidable!

Ahora el tema estelar: ¡nos sentimos culpables por no tener ideales! Por ejemplo, intentar seguir la ruta del Che, no es más que añorar un pasado utópico imposible, sentirse totalmente atascado (Atascados en Salala). Hay culpa por lo que no hacemos, y mucha culpa por lo que hacemos también. El arte y la cultura son privilegios aún, y nos molesta enormemente que no sean un derecho. Todos tenemos el derecho a pensar cosas sorprendentes. (Neva).

En cuanto a la forma, una primera impresión es que somos pobres, y nuestros teatreros se las arreglan minimalistamente para lograr semiótica. Pero se caen cuando acaparan con los oficios, claro, “mientras menos gente, mejor, menos plata”, pero… las visiones egocéntricas fracasan, a no ser que alguien haya sido Tocado por los Talentos, ahí podría ser… más mucho estudio y práctica.

CINE EN EL TEATRO

2010-04-06T20:17:00.000-07:00

Resulta un proceso forzado, pero sobre todo obvio, el incluir cine en el teatro, así como una consecuencia del avance de época. Revela un profundo descontento e incomodidad con lo que se está haciendo; un querer abarcar más de la cuenta.

En Chile, esta onda la trajo Ramón Griffero con la obra Cinema Utoppia cuando venía llegando de Europa. Una obra de personajes encantadores, insertos en la cultura televisiva, pues la obra tiene el ritmo de la TV, donde la matriz es la afición por el cine. El montaje es realmente perfecto. Pero no es teatro.

Como lo que hace Teatro Cinema y Luis Ureta: se pierde la búsqueda de un lenguaje teatral criollo, pues la forma se convierte en un conocimiento universal, sin posibilidad de implantar una particularidad. Sólo a nivel de contenido es factible identificar rasgos de lo propiamente chileno. Por lo menos Ureta considera textos chilenos.

Por otro lado, tenemos a Jaime Lorca, quien asombra con su trabajo técnico, aunque sin ser cine, promueve también una manera primermundista de hacer teatro, tomando textos de la literatura universal, y el uso de muñecos como teatralidad infantil canónica. Cuando Lorca decide hacer la dramaturgia también, comete un gran error, pues lo asombroso de la técnica que consigue, se ve desvirtuada por la pobreza del texto (como es el caso de El último heredero).

El capote (compañía Teatro Milagros) es otra respetable obra infantil de rasgos universales.

Como ya expuse en la crítica de Hechos consumados, Alfredo Castro logra el calce ideal entre avance tecnológico y respeto hacia la naturaleza del teatro, encontrando en esta experimentación particular, un lenguaje local. Es acertado también en la elección de grandes textos chilenos, ya sean de la dramaturgia, como de la narrativa.

Neva

2010-03-25T20:39:00.000-07:00

Teatro relevante

“Una ramera, una gallina, una pastora.”

“Un ave simple. Un caballo.”

“Me gustaría ser hombre.”

Olga Knipper materializa una femineidad universal, culpable culturalmente de su sexualidad, de su condición social y su mutabilidad, de su aspiración al amor.

El amor entre una mujer y un hombre, se desdibuja en el amor hacia una posición política, que sería el “tener alma”. Intentar el hallazgo de la divinidad en el hombre, es reconocer a nuestros muertos, A CADA UNO, cuyo cuerpo sigue navegando por los ríos Neva y Mapocho. ¿Existen aún los idealistas? En el pasado están, cuando se planea matar a un coronel, cuando se pelea por el pueblo y se hace Resistencia.

Esta obra exige la revolución post-guerra. ¿Nosotros la tuvimos después de esos años innombrables? ¿Y hoy, qué estamos haciendo?

La propuesta es de un teatro sacro, ritual, donde se rescata la tradición oral del relato, en la forma de una fogata en que tres personajes se bastan a sí mismos y prescinden de más espacio, luz o música. Algo realmente especial, ¡y se sostiene, vaya que se sostiene perfecto!

Calderón satisface al público desde la dirección, con maneras cotidianas de comunicación.

Desde la dramaturgia, sorprende con un ritmo alterado, donde el espectador se siente azotado y aliviado de continuo; donde el teatro es ridiculizado y sacralizado sucesivamente; resultando una línea de tensiones y distensiones correlativas.

El final es una bomba… ¡Te amamos Paula Zúñiga!

El teatro logra convertirse en Historia, cuando se asienta en su contexto y revela una verdad comunitaria; cuando es visionario en cuanto a forma o contenido; cuando es aplaudido por ser una obra de arte. Neva hace comprender una obra de teatro en esta dimensión de relevancia.

En el público había tripas, risas y aplausos de pie.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro en el Blanco.
Dirección: Guillermo Calderón.
Dramaturgia: Guillermo Calderón.
Elenco: Paula Zúñiga, Trinidad González, Jorge Bécker.
Asistente de dirección: Catalina Lyon.
Diseño escenográfico: Pilar Landerretche, Jesús González.
Diseño vestuario: Jorge “Chino” González.
Música: José Tomás González.
Producción: Jenny Romero.

Hechos consumados

2010-03-25T20:31:00.000-07:00

Una crisis de angustia

Juan Radrigán: Poeta, antes que otra cosa. Flexible, representa situaciones cotidianas como ninguno. Amargo, plantea un estado inhabitable del hombre en un mundo de mierda.

La sensualidad le pertenece a aquellos que han vivido, que conocen, que saben de algo misterioso y que siempre guardan un secreto. Los personajes de Radrigán son profundamente golpeados, de una sensualidad desbordada.

Afuera: la verdad siniestra del mundo, de una época, del hambre, transcurre de manera inexorable y corrupta. Viviente.

Adentro: los personajes no tienen más que padecer. Moribundos.

Un texto de Radrigán reta altivo a la dirección.

Alfredo Castro: Visionario, tiene una visión, fantasías, y trasciende. Evoluciona, reinventa constantemente su forma de hacer teatro. Incorruptible, su voto con la realidad urgente y cruel es el sello de su sala.

Sólo una búsqueda incesante llega a los aciertos, a innovaciones y a un lenguaje propio. Las piezas encajan, cuando una jamás podría encajar con otra, más que con ésa. Castro recurre a la tecnología sin querer hacer cine, sino que mantiene la naturaleza del teatro intacta. Es tecnología teatral que trae una situación atemporal al presente.

Hechos consumados es un espacio remoto y moderno, encerrado pero con una pequeña franja hacia lo deshumanizado. Eso perverso del mundo de Radrigán, pasa por fuera, y se mantiene como un enigma. Por adentro, el bueno siempre pierde.

Una puesta en escena de Castro, es palpar el amor que éste tiene por su oficio.

Radrigán y Castro hacen la mezcla perfecta.

Aplausos a rabiar, con un nudo en la garganta y el pecho pa’ la cagá’.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro la Memoria.
Dirección: Alfredo Castro.
Dramaturgia: Juan Radrigán.
Elenco: Amparo Noguera, José Soza, Rodrigo Pérez, Felipe Ponce.
Diseño: Rodrigo Vega.
Diseño iluminación: Andrés Poirot.
Música: Miguel Miranda.
Asistente reposición: Héctor Freire.

Sala: Teatro La Memoria
Desde el 22 de abril, hasta el 12 de junio
$6.000 general, $3.000 estudiantes y 3era edad
Jue-Vie-Sáb 21:00 hrs.
Reservas al: 02-7323000

Plaga

2010-03-25T20:28:00.000-07:00

Riesgo a la segura

Hay una necesidad de recurrir al lenguaje audiovisual, ¿para hacer vanguardia?

La actuación se sirve de la tecnología cinematográfica como una extensión, como un soporte, como una excusa para esconder la verdadera naturaleza del personaje.

El ritmo y el montaje continúan siendo excelentemente prolijos. La dirección no corre ningún riesgo, porque todo funciona como una máquina.

La propuesta puede resultar muy aburrida o muy interesante: el riesgo se descubre sólo si el espectador salta desde una expresión cotidiana de la puesta en escena, a un plano personal metafísico, que se relaciona con otros conocimientos; sólo cuando una imagen, un sonido o una palabra es el punto de fuga.

Vi a tres espectadores emocionados aplaudiendo. Más una.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro La Puerta.
Dirección: Luis Ureta.
Dramaturgia: reescritura de La mantis religiosa de Alejandro Sieveking, a cargo de Coca Duarte.
Elenco: María Paz Grandjean, Roxana Naranjo, Macarena Silva, Andrés Velasco, Sergio Piña, Jorge Antezana.

Páramo

2010-03-25T20:26:00.000-07:00

Vanguardia prolija

Trabajo prolijo de impactos prudentes, bien formulados y bien ejecutados. Se acerca más al impulso de mantenerse en la vanguardia, que al impulso de buscar un lenguaje local.

Es ver una bonita pieza: con gracia, con buenos actores, buenas interpretaciones, y una excelente ejecución del montaje: luz, sonido y escenografía.

Es lo que pasa con este tipo de teatro: el impacto es a nivel intelectual, no emocional. Depende del gusto de cada quién.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro La Puerta.
Dirección: Luis Ureta.
Dramaturgia: reescritura de Amo y señor de Germán Luco Cruchaga, por Mauricio Barría.
Elenco: María Paz Grandjean, Roxana Naranjo, Macarena Silva, Sergio Piña, Jorge Antezana, César Caillet.
Diseño integral: Cristián Reyes.
Música: Marcello Martínez.

Diciembre

2010-03-25T20:15:00.000-07:00

Pucha que es lindo sentirse sorprendido

Guerra. Una familia huérfana, incestuosa. Navidad.

Ficción verosímil:

¿Qué es más chileno que los porotos? Porotos se comen en tiempos de guerra. ¿Quién es “Ariel”? Ariel es un nombre unisex, que significa "altar de Dios"; “león de Dios”, asociado a San Pablo: el ardiente gentil. Es un traidor a la patria, que preña a las mujeres que quedaron solas en la urbe; para marcarlo, le sacan un ojo.

Una situación dramática de gran tensión, que sin embargo, se desarrolla en una puesta en escena espontánea, minimalista, de iluminación lúdicamente aviesa, y la música del pc resuena como una sofisticada ironía.

Aparte de los tres hermanos, irrumpen otros personajes, todos llenos de gracia, galardonados con un lenguaje travieso y sincero. El código de los hermanos es el eje de la historia, trazado con un ritmo de rebote, donde las mentiras hacen avanzar y retroceder la acción. Finalmente, el clímax emotivo es de un calce de gran belleza estética y de gran ternura.

Son profesionales enamorados de lo que hacen.

Me saco el sombrero ante Guillermo Calderón.

Me saco el sombrero ante Paula Zúñiga.

Me saco el sombrero ante Trinidad González.

Me saco el sombrero ante Jorge Bécker.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro en el Blanco.
Dirección: Guillermo Calderón.
Dramaturgia: Guillermo Calderón.
Elenco: Paula Zúñiga, Trinidad González, Jorge Bécker.
Diseño integral: Teatro en el Blanco.

Ernesto

2010-03-25T19:46:00.000-07:00

Una completa pérdida de tiempo

¿A quién le importa saber qué hacen 5 actorcillos en sus ensayos?

El juego de estos niños es imaginar que hacen la obra en el Municipal con cero vestuario, cero escenografía, cero planta de iluminación, cero texto.

La mitad de la obra es completamente a oscuras, donde se escucha la narración rumiante de cómo empezó este mamarracho.

¿Cómo chucha salgo de aquí?

Prender el celular, pedir permiso, encontrar la puerta.

Perdí tiempo, plata y la fe en el teatro chileno.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro de Chile.
Dirección: Manuela Infante.
Dramaturgia: Teatro de Chile, basado en la obra de Rafael Minvielle.
Elenco: Claudia Yolin, Nicole Senerman, María José Parga, José Miguel Jiménez, Juan Pablo Peragallo.
Diseño integral: Claudia Yolin.
Audiovisual: Nicole Senerman.

Los payasos de la esperanza

2010-03-25T19:33:00.000-07:00

Humor, austeridad en extremo, pobres payasos

Simple: no hay nada en el escenario, muestra patente del tema de la cesantía.

Aunque de todas maneras faltó música e iluminación, no se sostenía.

Resalta la ingenuidad graciosa del marginal en muy buenas interpretaciones.

¿Qué pasa cuando la dramaturgia no presenta un conflicto, y se busca mostrar una parte, un recorte de una línea de tiempo, sin que el mundo cambie, sin que un conflicto se desarrolle?

Podría ser… en algo muy especial… o… ¿la verdadera atracción fue descubierta por Aristóteles y fin?

Igual aplaudieron harto.

Ficha de la obra:
Dirección: Mauricio Pesutic.
Dramaturgia: reescritura de TRISTITIA TEATRO.
Elenco: Roberto Farías, Sebastián Layseca, Claudio Castellón.

Los que van quedando en el camino

2010-03-25T19:31:00.000-07:00

Virtud, Prudencia, Paz, Justicia, Ley

Más que haber visto una obra, asistí a un evento. El tono de fiesta folclórica en el ex Congreso nacional, resulta ser un choque de emotividad para la memoria colectiva.

Es ver cómo los ideales son rostros ancianos que nos hablan desde el otro lado.

Ficha de la obra:
Dirección: Guillermo Calderón.
Dramaturgia: Isidora Aguirre.
Asistente de dirección: Ronald Heim.
Elenco: Sergio Hernández, Eugenio Morales, Ramón Sabat, Hernán Vallejo, Regildo Castro, Víctor Rojas, Sonia Mena, Pedro Villagra, Violeta Vidaurre, Gabriela Medina, César Arredondo, Mario Lorca, Sergio Madrid, Mario Montilles, Diana Sanz, Mónica Carrasco.
Diseño integral: Loreto Martínez.
Música: Luis Advis, Guillermo Eisner.
Producción: Ana Cosmelli.

Historia de la sangre

2010-03-08T14:55:00.000-08:00

Me quedaría ahí para siempre

Blanco. No sé que pasó con la música, ni con los colores, sólo que era algo psicodélico.

Es difícil articular pensamiento cuando te tocan la raíz del cerebro. Algo indecible.

Me acuerdo que Pancho Reyes es un seco. Rodrigo Pérez, un mono sagrado.

Me acuerdo que me dio pudor ver a la ex ministra subiéndose el vestido. Un personaje adorable, irrepetible.

Nuestra madre era un puma.

Todo es sugestivo, innombrable, salvaje casi inhumano, amoral, atemporal, abyecto, desencajado, ridículo, desfachatado, perfecto. Me cagué de miedo.

Ojalá uno pudiera revivir esta experiencia un millón de veces.

Gracias.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro la Memoria.
Dirección: Alfredo Castro.
Dramaturgia: Alfredo Castro.
Textos: Alfredo Castro, Francesca Lombardo, Rodrigo Pérez.
Elenco: Paulina Urrutia, Amparo Noguera, Francisco Reyes, Rodrigo Pérez, Pablo Shwarz, Maritza Estrada.
Voz: Gaby Hernández.
Diseño: Rodrigo Vega.
Diseño iluminación: Andrés Poirot.
Música: Miguel Miranda.
Asistente reposición: Héctor Freire.

Lindo país esquina con vista al mar

2010-03-08T14:52:00.000-08:00

Hay que entrar a cortar no más

¡Demasiado larga! Es insostenible la situación de un personaje gracioso, cuando sus diálogos no están construyendo el conflicto o un sentido.

Demasiado literal a veces. Cuando la premisa, la conclusión o la interpretación es expuesta, pierde el valor. El público no es imbécil.

Ficha de la obra:
Compañía: Ictus.
Dirección: Nissim Sharim.
Dramaturgia: creación colectiva de Ictus, basada en relatos de Jorge Gajardo, Darío Osses, Marco Antonio de la Parra.
Elenco: Nissim Sharim, Paula Sharim, María Elena Duvauchelle, Roberto Poblete, Nelson Vargas.

Pedro de Valdivia, la gesta inconclusa

2010-03-08T14:43:00.000-08:00

Ovación de público infantil y ABC1

De gesta:

Es bonita la idea de los tres juglares.

Ingenuamente agradable.

La simpleza artesanal del escenario es entre conmovedor y penoso, hasta la iluminación es dirigida en bruto: día y noche, cenitales exigidos y punto.

Pero…

Qué fácil es narrar la Historia de Chile que todos conocemos, de forma cómica.

Qué abúlico es narrar desde el punto de vista de los conquistadores.

Qué deforme es no tener una intención, un objetivo, una opinión.

Aunque…

Aprecio el carisma y energía de los tres actores-músicos.

Ficha de la obra:
Compañía: Tryo Teatro Banda.
Dirección: Sebastián Vila.
Dramaturgia: Francisco Sánchez y Tryo Teatro Banda, basada en las cartas del Conquistador Español al Rey Carlos V.
Elenco: Francisco Sánchez, Pablo Obreque, César Espinoza.
Música: Tryo Teatro Banda.
Sonido: Gonzalo Hernández.
Iluminación: Ximena Acuña.
Producción ejecutiva: Carolina González.

Atascados en Salala

2010-03-08T14:33:00.000-08:00

¿Qué es peor, fundar un banco o robar un banco?

El sello de Nissim Sharim es la representación de un teatro postnarrativo, donde personajes de todas las clases sociales enseñan sus sencillas pero reveladoras anécdotas, lo que denota la madurez del trabajo, lejos de la etapa pomposa del artista y sus grandes tragedias.

El humor es ingenuo, sin caer en la detestable comedia del teatro televisivo.

Llama la atención que en ocasiones, lo abrupto de la fragmentación no quite emoción, y la sorpresa no anule el suspenso. Hay personajes que no se llegan a conocer, y sin embargo, la audiencia ya está encariñada con ellos en el momento en que éstos sufren su perdición. Eso es manejar el todo con gran destreza, donde las partes se encajan en las zonas y tiempos precisos de la obra.

La forma ya está enunciada desde el principio: el teatro postnarrativo se vale de la fragmentación y la tradición oral, donde la memoria del personaje (seres perfectamente reconocibles en la realidad) es crucial. El director utiliza los cuadros negros del cine, donde aparecen las figuras recortadas de los actores. Son maneras estéticamente pulcras para teatralizar simplezas profundas.

Como bien se sabe, en la Sala La Comedia no faltan los tránsitos por el pasillo del público y la conversación con éste, lo cual resulta muy dinámico y entretenido para la audiencia. La música es dicharachera, de suspenso a veces, y propia del sketch.

Todo muy correcto.

Repeticiones del texto para el viejo sordo de atrás, risas por mil, emoción, un aplauso que quisiera ser ovación, pero que lo detiene el cansancio.

Ficha de la obra:
Compañía: Ictus.
Dirección: Nissim Sharim.
Dramaturgia: Creación colectiva Ictus.
Elenco: Nissim Sharim, Paula Sharim, María Elena Duvauchelle, Roberto Poblete.

La carcelaria, el sonido de la jaula

2010-03-08T14:28:00.000-08:00

¿Qué fue esa huevá?

¿Alguien me puede explicar qué huevá significa el título?

La función empieza atrasada, con una mina trepando una pared. Negro.

Los bailarines son una especie de personajes huachacas que andan borrachos, dando jugo. ¡De repente! unos videos con fotos de calles y mendigos, y unas frases así como: "mírate a ti mismo", "es lo que hay, pero puede haber más", "hoy amanecí malo, malo de adentro".

Hay bolsitas de sangre que se revientan, hay unos San Expeditos, unas Vírgenes, hay dos pantallas con videos, hay una mina gritando por micrófono: "Oye, ¿por qué no me querí?", y después lo toma otra con las tetas al aire y empieza a retar al público en inglés, y pronuncia medio mal... Por último, los huevones empiezan a pegarle a las minas, las agarran del pelo y las arrastran por el suelo.

En el público se escucharon sólo suspiros de resignación, luego un aplauso por cortesía y el comentario de ciertos hombres que dijeron: “mala la huevá”. Quizás no resulte tan interesante ver un par de tetas.

Ficha de la obra:
Compañía: Cía. Zanda, movimiento de danza al revés.
Dirección: Francisca Keller.
Elenco: Francisca Keller, Chery Matus, Paloma Ramy, Alexandra Mabes, Roxana Salinas, Felipe Arancibia, Inti González.
Indagación y Composición musical: Francisca Keller, Inti González.
Escenografía: José Muñoz.
Arte: Laura Corona, Romina Olguín.
Iluminación: Laura Corona.
Sonido: Patricio Muñoz.
Diseño gráfico: Juan Carlos Vuckasovic.

Uñas sucias

2010-03-08T14:19:00.000-08:00

¡Maracas culiás, chupa-picos!

¿Y qué tiene de malo ser maraca? Me pregunto yo. A todas las heterosexuales nos gusta el pico hasta donde yo sé. ¿Puede una obra dramatúrgica girar en torno a este tipo de insultos?

¿Por qué hicieron la versión femenina del texto?

Primero, las minas no se sabían bañar: iban a la ducha y volvían igual de embarradas, a excepción del personaje LAJA. Este último, y el personaje ORTEGA, fueron las únicas dos actrices que entendieron la naturaleza rítmica del texto; las demás andaban full aceleradas, desatendiendo que el texto exigía una cadencia que se detuviera en los momentos de mayor tensión, profundidad e intensidad. Por lo tanto, se produjo un desfase tremendo entre el texto y la puesta en escena.

Rescato la propuesta escenográfica y la planta de iluminación, que sin ser pretenciosas, lograron un simbolismo bastante elegante. Había un espejo que se condecía con el hecho de que hubieran mujeres en escena, y un balde de agua común, donde se mezclaba la cochiná de todas. En cuanto a las luces, hubo cambios suaves de tonalidad imperceptibles técnicamente, pero perceptibles a la hora de comunicar.

Es heavy el tema de la marginación del marginal, en cuanto el analfabeto (el personaje insoportable y pésimamente interpretado de la negra chora) busca eliminar al alfabetizado (ORTEGA, el personaje más encantador y gracias a Dios, muy bien interpretado). Resulta interesante esta forma de mostrar la miseria humana. O cuando LAJA narra la anécdota del paco ahuevoneitor que queda marcado por su pasado relacionado con la dictadura, en sus uñas fletas rojas. Piénselo bien antes de pintarse las uñas de ese color.

Bueno pero, todos los chispazos que promovieron ser una gran obra, se vieron damnificados por lo forzosa que resultó la dirección. Hay un celular que no funciona, una violación con un pepino, un cuchillo, música reggeton en una radio que los personajes la manejan cuando se acuerdan, así como pa' rellenar o quizás cuando se les olvida el texto.

En el público se escuchaban risas nerviosas, aplausos mediocres, y ganas de irse.

Ficha de la obra:
Compañía: La Popular.
Dirección: Raúl Donoso Garrido.
Dramaturgia: Adaptación del texto original de Luis Barrales.
Elenco: María Constanza Ramírez, Andrea Silva, Daniela Fernández, Paula Almonacid, Francisca Tapia.
Diseño integral: La Popular.
Diseño iluminación: Cristián Reyes.
Realización escenográfica: Rodrigo Iturra.
Producción general: Constanza Ramírez.

Comida alemana

2010-03-08T14:12:00.000-08:00

Un ladrillo realmente hermoso, ¡precioso!

Aquí hay una propuesta locamente arriesgada, donde se aprecia la belleza del coraje del artista.

Claro que está el prejuicio de ser un texto alemán, dicho en alemán. A mi parecer, era estrictamente necesario mantener el idioma. La sonoridad de la lengua y la dicción, en este caso, evocan el rigor, la guerra, la opresión.

Es una sinfonía golpeada. Una obra de oreja con un piano bellísimo en vivo.

Los jóvenes actores militan en un rectangulito, en filas de hombres y mujeres, gobernados por una Grimanesa Jiménez tremenda, en una interpretación actoral contenida como una arcada, siempre a punto de caer al vacío... Y nunca caen, nunca llegan al absurdo; pues se mantienen en la frontera de la Realidad de mierda, en el sinsentido de la violencia. La brillantez de la dirección radica en captar el tiempo justo para que uno se quede con ganas. Los 50 minutos fueron 100% provechosos, de un ritmo inesperado, una puesta en escena compuesta como partitura.

La política es una práctica íntima. No es lo que pasa en las noticias, no son los discursos. Es lo que pasa diariamente en nuestras casas. Puta que es terrible comer después de esto.

Un aplauso de pie a Cristián Plana y al magnífico elenco.

Ficha de la obra:
Puesta en escena: Cristián Plana.
Adaptación: Amalia Kassai.
Dramaturgia: Thomas Bernhard.
Dirección coral: Annie Murath.
Elenco: Amalia Kassai, Grimanesa Jiménez, Daniela Ropert, Valentina Jorquera, Daniela Castillo, Gabriel Urzúa, Felipe Lagos, Leo Canales.
Diseño integral: Rocío Hernández.

Topografía de un desnudo

2010-03-08T14:05:00.000-08:00

¿Me están hueviando? ¡Qué hicieron con la obra de Jorge Díaz!

Este tipo de propuesta escénica busca coquetear con el intelecto de la audiencia, en este caso, mi intelecto tuvo sólo náusea.

Hay huevás malas que sorprenden de lo malas que son, y dan ganas de seguir viéndolas, sólo para encontrarse con la desmesura de lo ridículamente malo, algo que llega a dar risa. Aquí no pasó eso, porque la huevá, más que mala, es ¡¡¡FOME!!!

¿Pueden imaginar que Marcelo Alonso se vea fome? Era imposible hasta ahora.

Colmos:

La lectura de la primera acotación del texto al comienzo; la figura de “Los tres chiflados”; las máscaras; las repeticiones coreográficas prefabricadas, imitación del ‘Postmodernismo teatral’, ¿ensayaron? Porque pa' llegar a estas imágenes...

¡Me quiero ir!

En el público se oía el ruido de las sillas como leones enjaulados, suspiros de “por fin terminó… ah, no, chucha, todavía queda…” y otro suspiro.

Rescato un momento en que la música y la iluminación hicieron una “redada”, es decir, la luz hacía ruedas por todo el espacio. Interesante. Pero esto duró 10 segundos.

En conclusión: una mierda helada cubista. La obra de Jorge Díaz no se merece esta huevá.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro La María.
Dirección: Alexis Moreno.
Dramaturgia: Jorge Díaz.
Elenco: Marcelo Alonso, Alexandra Von Hummel, Moisés Angulo, Rodrigo Soto, Nicolás Fernandois, Manuel Peña, Daniel Antivilo, Tamara Acosta.
Diseño escenografía: Rodrigo Ruiz.
Vestuario: Rocío Hernández.
Iluminación: Ricardo Romero.

Desde el 20 de mayo hasta el 26 de junio
Sala: Teatro UC, sala 1
Jue-Vie-Sáb a las 20:30 hrs.
$6.000 general, $4.000 3era edad, $3.000 estudiantes

Lo crudo, lo cocido y lo podrido

2010-03-08T13:56:00.000-08:00

Actualízate: hoy, el líder es el flayte

Da gusto ver actorazos viejos luciendo las plumas, para mí es presenciar un hecho histórico. ¿Será por el respeto que se les tiene, que sólo hacen teatro Realista? El Realismo significa cero riesgo en la puesta en escena, ¿o esta obra fue así? En fin… mucha gente debe gustar de lo convencional.

De la Parra es un exhibicionista de aquéllos, pero a esta obra le rescato un par de temas:

Hay una cosa muy de La Colonia que es aferrarse a la sangre, al apellido y sus castas. De ahí viene todo nuestro arribismo, supongo.

Es anacrónico ver esta situación del restorán fantasma, esperando servir a la aristocracia; y es sincrónico que en su lugar llegue un viejo rancio de lo mejor.

Hay una cosa que hay que tener bien clara: hoy, los flaytes son los que la llevan, na’ que ver con huevás aquí. Y las supersticiones fueron el mestizaje, algo que nos identifica como cultura, desde nuestra mitología y desde nuestra experiencia.

La lógica no va mucho con nosotros. Eso es lo lindo de ser chileno.

Ficha de la obra:
Compañía: Teatro Imagen.
Dirección: Gustavo Meza.
Dramaturgia: Marco Antonio de la Parra.
Elenco: Arnaldo Berríos, Hugo Medina, Luis Alarcón, Elsa Poblete, Óscar Hernández.
Música: Juan Cristóbal Meza.
Escenografía: Ramón López.
Vestuario: Jorge “Chino” González.
Ayudante de dirección y producción: María Rodríguez.

Bicentenario apoteósico

2010-03-08T13:50:00.000-08:00

Una oportunidad propicia para comenzar esta búsqueda, es el panorama presentado por el Festival Stgo. a Mil de este año.

No voy a considerar teatro chileno requete analizado, ya sean obras como: La negra Ester, Tres Marías y una Rosa, el sainete Entre gallos y medianoche.

No voy a considerar aspiraciones primermundistas, vale decir: Malasangre, Cinema Utoppia, El coordinador.

(El coordinador

Aunque debo decir que esta obra es lo que se llama “Basura exhibicionista”. Este tipo de gente no aporta en nada a nuestra comunidad. Una puesta en escena complaciente, una basura. Excelente reparto, eso sí.

¿Qué pasa con las obras de autor exhibicionista?

El tipo quiere demostrar que sabe caleta de huevás y que sabe escribir. La obra se convierte en una gran oda a su Vanidad. ¿Alguien tiene interés en ese gallo?

Ficha de la obra:
Compañía: Bufón negro.
Dirección: Alejandro Goic.
Dramaturgia: Benjamín Galemiri.
Elenco: Alejandro Trejo, Mateo Iribarren, Patricia Rivadeneira, Max Corvalán.
Música original: Patricio Solovera.
Colaboradores: John Streeter (música), Claudia Celedón (actriz), Cristián Quezada (director técnico).)

Sala: Mori Bellavista
Desde el 3 de junio
Jue-Vie a las 21:00 hrs. Sáb a las 20:30 hrs.
$8.000 general, $5.000 estudiantes y 3era edad